HausDesart

Exposição Adelaide Lopes Gonçalves

2011-02-23T09:58:00.001-08:00

O projeto Artes na Cidade, selecionado no 7º Chamamento Público para projetos expositivos de Artes Visuais da prefeitura Municipal de São Carlos, foi uma grande oportunidade para expor algumas obras da artista plástica Adelaide Lopes Gonçalves. Ao resgatar tal trabalho faz-se uma reflexão sobre a memória e o papel da mulher na sociedade e nas artes, no começo do século XX, no Brasil.

No mês que marca as conquistas da mulher, e se analisa os desafios que ela ainda enfrenta, é um privilégio termos em São Carlos as obras de uma artista pioneira nas artes plásticas, profissão dominada por homens até então.

Nascida em 11 de maio de 1893, no Rio de Janeiro, Adelaide teve a oportunidade de estudar e desenvolver seu talento na Escola Nacional de Belas Artes. Reviver seu passado é tarefa impossível, mas podemos tentar recompor esse período histórico que tinha na arte acadêmica a principal referência artística do país.

Adelaide gostava de pintar retratos e por meio dessas pinturas ela preservou sua sensibilidade artística, criando também uma memória familiar. São esses retratos que desde criança estiveram presentes nos meus primeiros contatos com a pintura artística, na casa de meus avós e de minhas tias. Ainda hoje me impressionam e me fazem pensar na coragem dessa mulher, minha bisavó, de exercer seu talento e amor pela arte, mesmo que seu trabalho tenha sido tão pouco difundido. Por isso gostaria de aproveitar essa oportunidade para homenageá-la não somente enquanto artista, mas enquanto mulher que enfrentou os preconceitos de um século conservador para aquelas que buscavam seus ideais.

Como aluna de Belas Artes, ela especializou-se em desenho e pintura com tinta óleo sobre tela, valorizando a qualidade técnica e o realismo. Paralelamente aos estudos técnicos de suas aulas, e aos retratos concebidos para amigos e familiares, Adelaide também se dedicava aos autorretratos. Parece que são nessas obras que ela se permite maior liberdade no traço, que ganha dinamismo com o uso do giz pastel.

Entretanto, essa Adelaide que se apresenta foi conhecida de poucos aqui presentes. Parece irresistível tentar vislumbrar esse período com o olhar crítico da contemporaneidade, levar nossos parâmetros modernos para a leitura de sua condição social, de seu papel como mãe e mulher, como artista de 100 anos atrás. Mas essa é uma leitura aberta, que nos faz, antes, pensar o presente, nossa própria condição, nossas próprias conquistas. É impossível saber o que tudo isso representava para Adelaide. Pessoalmente, eu gostaria de saber de seus sentimentos, das motivações que a levaram a pintar, a estudar arte em meados de 1912, mas minhas considerações seriam teóricas e subjetivas. Sua obra, entretanto, ainda vive.

Abaixo algumas fotos da abertura, que tambem teve a palestra “Memória, esquecimento e história: as mulheres artistas na I República brasileira” com Ana Paula Cavalcanti Simioni do Instituto de Estudos Brasileiros da USP e a participação do Exmo. Sr. Prefeito Municipal Oswaldo Baptista Duarte Filho para abertura oficial do Mês da Mulher em São Carlos.

Exmo. Sr. Prefeito Municipal Oswaldo Baptista Duarte Filho, Vice-prefeito Sr. Emerson Leal, Secretária de Cidadania e Assistência Social – Rose Mendes, Coordenadora de Artes e Cultura - Telma Olivieri, Coordenadora do LAPREV e neta de Adelaide Lopes Gonçalves – Profa. Dra. Lúcia Cavalcanti Albuquerque Williams, Docente do Instituto de Estudos Brasileiros da USP – Profa. Dra. Ana Paula Cavalcanti Simioni, Presidente do Conselho Municipal dos Direitos da Mulher – Mirlene Severo.

Profa. Ana Paula, Profa. Lúcia Williams e Izis Cavalcanti, curadora.

Família de Adelaide

Palestra com a Profa. Ana Paula

Autorretratos

Fotografias: Mariana Ignatios

→ Outras fotos

Hélio Oiticica: Esquema geral da Nova Objetividade

2010-12-08T11:34:00.000-08:00

Em dezembro termina o primeiro ano da especialização de artes visuais que estou cursando na Unicamp. O enfoque do curso é em arte contemporânea e foi fundamental para quebrar uma série de paradigmas a respeito da arte. Gostaria muito de conseguir comentar alguns por aqui.

A fotografia tornou-se meu principal objeto de estudo e revelou muito do meu processo, da minha temática e escolhas. Além das séries práticas já apresentadas aqui, também desenvolvi alguns textos que buscam analisar a fotografia do ponto de vista da instalação fotográfica, que provavelmente será o tema da monografia.

Apresento abaixo um dos textos, que é um fichamento de Oiticica do livro Escritos de Artistas: anos 60/70 de Glória Ferreira e Cecília Cotrim.

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Hélio Oiticica
Esquema geral da Nova Objetividade

Introdução
Procurei ler os textos que me esclarecessem alguns aspectos da relação híbrida entre fotografia e objeto artístico, por isso selecionei 4 textos que abordavam o objeto e sua tridimensionalidade: Oiticica em “A transição da cor do quadro para o espaço e o sentido de construtividade” e “Esquema geral na Nova Objetividade”, Donald Judd “Objetos específicos” e Waldemar Cordeiro “Realismo: ‘musa da vingança e da tristeza’”.

O objeto se consolida, no período entre 1960 e 1970, como uma forma de expressão artística que permite inúmeras possibilidades de conceitos, técnicas e materiais, além de novas relações da arte no espaço que a circunda e nas suas relações de interatividade com o espectador. Os autores vão comentar sobre a flexibilidade dessa modalidade e suas diferenças e semelhanças com a pintura e a escultura. A arte deixa o suporte do quadro e sua proposta de contemplação para proporcionar a participação do espectador, sua interatividade com a obra e a efemeridade que tal proposta suscita.

É objeto da pesquisa e da análise procurar referências de tridimensionalidade a partir de obras fotográficas, como nos Pop-cretos de Waldemar Cordeiro. Nesse caso, os textos de Oiticica foram muito esclarecedores para a compreensão do objeto na arte contemporânea, fornecendo subsídio teórico sobre as tendências e as propostas da vanguarda brasileira do período. O texto final escolhido para o fichamento foi Esquema geral da Nova Objetividade por esquematizar tais tendências e características.

Fichamento
O autor apresenta 6 itens que visam estruturar as principais características daquilo que ele compreende como “um estado de arte brasileira de vanguarda” do período (p. 154) e denomina Nova Objetividade. Vale ressaltar que o autor não procura colocar a arte em parâmetros, mas analisar as tendências em comum:

“A Nova Objetividade sendo um estado não é pois um movimento dogmático, esteticista, (...) sendo entretanto a unidade desse conceito de “nova objetividade” uma constatação geral dessas tendências múltiplas...” (p.155).

O texto me chamou muito a atenção para a questão da tridimensionalidade do objeto e de sua relação com o observador, no sentido de envolvê-lo, de interagir com ele na construção e na percepção das obras. O autor já tinha abordado essa questão, assim como outras sintetizadas aqui, no ensaio A transição do quadro para o espaço e o sentido de construtividade no qual analisa de forma mais aprofundada as obras do Núcleo e do Penetrável. Oiticica também aborda o posicionamento político e cultural do artista, além da sua posição crítica e da importância do discurso.

Hélio Oiticica, Núcleo, óleo sobre madeira, 1960.

Abaixo seguem as principais características da Nova Objetividade:

1.Vontade construtiva geral
Segundo o autor, há no Brasil uma característica construtiva que permeia os movimentos artísticos inovadores. Apesar da influências exteriores, houve o desenvolvimento de uma identidade brasileira que definiu a arquitetura moderna e os movimentos Concreto e Neoconcreto. Oswaldo de Andrade chamaria essa redução de influências externas de Antropofagia:

“A antropofagia seria a defesa que possuímos contra tal domínio exterior, e a principal arma criativa, essa vontade construtiva... (p. 155).”

2.Tendência para o objeto ao ser negado e superado o quadro de cavalete

“O fenômeno da demolição do quadro, ou da simples negação do quadro de cavalete, e o conseqüente processo, qual seja, o da criação sucessiva de relevos, antiquadros, até as estruturas espaciais ou ambientais, e a formulação de objetos, ou melhor, a chegada ao objeto, data de 1954 em diante, e se verifica de várias maneiras...” (p. 156).

Nesse item Oiticica atribui à Lygia Clark a desintegração do quadro para o espaço pictórico, no Brasil. Ele apresenta o pioneirismo dos primeiros artistas ao implementarem esse hibridismo entre pintura-escultura-espaço, entre eles: Antônio Dias, Rubem Gerchman, Pedro Escoteguy, Waldemar Cordeiro e o próprio Oiticica.

É interessante essa passagem sobre os Popcretos de Waldemar Cordeiro:

“Sua experiência não é a fusão de Pop com Concretismo, como o querem muitos, mas uma transformação decisiva das proposições puramente estruturais para outras de ordem semântico-estrutural” (p. 159).

Como o objeto é tridimensional, surge a problemática da forma, da estrutura. Essas estruturas criam um contraponto entre o puramente visual e o táctil-sensorial, que vão modificar a forma de apreensão e percepção da obra por parte do observador.

3. Participação do espectador
Há duas maneiras de participação: “uma que envolve ‘manipulação’ ou ‘participação sensorial corporal’, a outra que envolve uma participação ‘semântica’” (p. 162-163).
O espectador é tirado da sua posição de contemplação para uma atitude participativa de apreensão da obra. Ele pode mudar seu ponto de vista, sua perspectiva, pode andar por dentro da obra, percorrê-la, vivenciá-la. A atitude contemplativa transforma-se numa experiência sensorial e semântica, a qual Umberto Eco denominou “obra aberta”, segundo COSTA, muito presente nas considerações de Waldemar Cordeiro.

4. Tomada de posição em relação a problemas políticos, sociais e éticos

“A polêmica suscitada aí tornou-se como que indispensável àqueles que em qualquer campo criativo estão procurando criar uma base sólida para uma cultura tipicamente brasileira” (p. 164).

Além da preocupação com uma identidade brasileira, que aborde questões relacionadas ao contexto político, cultural e social, existia na época uma postura crítica em relação à ditadura que permeava várias áreas artísticas. Segundo Gullar, além de exercer seu poder criador e racional o artista deve ter consciência da sua participação social, de forma a evitar uma arte meramente estética, gratuita e alienatória.

5. Tendência a uma arte coletiva
Aqui ele retoma as complexidades que envolvem a participação do público numa obra aberta e cita alguns exemplos relacionados a manifestações culturais como escolas de samba, entre outros.

6. O ressurgimento do problema da antiarte
Oiticica finaliza reforçando o papel do artista como um proponente de uma vivência/experiência do espectador, sugerindo uma arte que vá além da contemplação, de uma arte meramente estética, e que pode ser considerada nesse sentido uma antiarte.

“[...] tem que ser contra, visceralmente contra tudo que seria em suma o conformismo cultural, político, ético, social” (p. 167).

Referências
FERREIRA, Glória e COTRIM, Cecília (org.). Escritos de Artistas: anos 60/70. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Ed., 2006.
COSTA, Helouise. Waldemar Cordeiro - a ruptura como metáfora. São Paulo: Cosac Naify, 2004.

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29º Bienal de São Paulo

Uma das obras presentes na 29º Bienal de São Paulo, "Campos de Cor", da artista Amélia Toledo, me lembrou muito essa proposta e trabalho de Oiticica.

Amélia Toledo, "Campos de Cor"

Amélia Toledo, "Campos de Cor"

Apesar de não saber editar, acabei preparando um vídeo (um trabalho considerável!) porque só a imagem não me parecia capaz de transmitir a vivência que a obra permitia.

Aliás, Oiticica estava na lista de artistas consagrados da Bienal com as obras: "Ninhos", "Homenagem a Cara de Cavalo" e a bandeira "Seja Marginal, seja Herói", "obras em que o artita homenageia dois bandidos mortos pela polícia carioca" (Folha de São Paulo, 21 de setembro de 2010, bienal de artes, p.7).

Hélio Oiticica, Bólide "Homenagem a Cara de Cavalo"

Hélio Oiticica, bandeira "Seja Marginal, seja Herói"

Hélio Oiticica, "Ninhos" e eu feliz da vida, porque amo ele, é claro.

Série Abstração

2010-10-27T22:48:00.000-07:00

Por vezes o figurativo fala demais. Fala além do necessário, enfatiza, registra, reforça a mensagem. A arte figurativa é de longe mais aceita que a arte abstrata, mas não posso me negar à sutileza de dizer em nuances, em texturas, pelo detalhamento. Não posso negar meu processo de fragmentar e distorcer aquilo que é realista e indiciário em algo simplesmente irreconhecível...

A série Abstração é uma derivação da série Subúrbia e propõe uma imagem autônoma, sem compromisso com qualquer realismo, ressaltando puramente suas formas e cores, permitindo que o olhar se guie nos detalhes e nas estruturas. Esse é seu ponto de ruptura: apesar de trabalharem os mesmos conteúdos, a série Abstração rompe com a denúncia da série Suburbia, transformando-se em experimentação visual, simples poética e abstração.

Série Subúrbia

2010-10-27T22:10:00.000-07:00

A série Subúrbia tem como pesquisa a intervenção do homem no ambiente, marcada pelos aspectos negativos dessa relação, como o entulho, o acúmulo de lixo, a destruição e o desrespeito ambiental. Ela expõe a denúncia que meus olhos vêem todos os dias ao passar por esses caminhos, escondidos dos grandes centros, distantes das fotos históricas e ilustrativas das cidades. É um olhar que combina tristeza e culpa. No momento ela se divide em três temas: entulho, madeira e piche, mas pode vir a retratar qualquer ponto urbano que cause desconforto ou alguma revolta silenciosa.

A série é influenciada por dois fatores: um processo artístico/fotográfico que vem se pautando na descaracterização da identidade por meio da abstração e um forte apelo emocional oriundo da minha vivência e experiência com a cidade. Por esses motivos não poderia sucumbir a uma tentativa reducionista e promocional de produzir imagens facilmente reconhecíveis e agradáveis.

A fragmentação vai brincar com novos arranjos, distorcendo a orientação espacial, como se declarasse que a imagem não é importante, que tudo é uma construção, e que a figuração é tão construída quanto a abstração. Essa pode ser parcial, como na série Suburbia – que ainda permite o reconhecimento de seus referentes – ou total, como na série Abstração.

O trabalho tem um forte caráter experimental, primeiramente no sentido de abstrair aquilo que é retratado, de proporcionar novas leituras. Ele também se propõe a enxergar o cotidiano com outro olhar, que não fixa-se na beleza, mas percebe as possibilidades do cotidiano e das adversidades. Por fim, como um projeto que explora o processo artístico e a construção de uma poética, também me leva a pensar em diferentes formatos de exposição e montagem. Não cabe dizer que encerra-se aqui, mas que permite uma constante transformação de suas imagens.

Romeu Casale Filho

2010-08-12T19:27:00.000-07:00

Fonte de Energia
Exposição: Pinturas
Local: Centro Cultural da USP - São Carlos

Centro da Terra I e II - Petróleo

Sem título

A exposição de Romeu Casale apresentava 9 telas, sendo que 2 delas formavam um díptico. Inicialmente há um forte impacto visual ao ver todas as telas. São explosões de cores, algo que sugere uma forte intensidade mas também uma desorganização da mente, do olhar.

Qual vem primeiro? Que ordem estabelecer? Busco alguma referência estética para me situar, me lembro do expressionismo abstrato de Pollock com sua action paint. Mas não é igual. Há algo ali de diferente. Como estabelecer um critério de observação numa obra abstrata? Decidi começar pelo aspecto formal, aquilo que diretamente eu percebia.

Comecei pela primeira obra na sequência linear da exposição. É a obra díptica entitulada "Centro da Terra I e II - Petróleo". A tela é abstrata, mas curiosamente o nome cria uma figuração semântica. Ele remete ao petróleo. Mas a minha leitura se limita as formas que se apresentam, ela busca uma percepção além do significado figurativo. Comecei observando as cores. A tela era composta por tons de cinza, preto e branco. A pintura se dividia em duas formas: uma grande área cônica concentrava uma pincelada larga, formava uma movimentação circular, passando uma ideia de harmonia e clareza que era quebrada pela tensão da pintura estriada formada por vários riscos que "corriam para fora", na parte superior do quadro, criando uma oposição ao círculo. Do centro do cone havia uma explosão de tinta reforçado essa sensação de energia extravasando.

Essa dialética se mantinha nas outras obras, onde tinha essa tensão entre o que era controlável, os cones e círculos, e o que rompia a harmonia, que era ímpeto, descontrole.

O acúmulo de tinta nas telas mostra um processo de construção em etapas, camadas e camadas de tinta que formam texturas muito dinâmicas e indicam a passagem do tempo, o processo de decisão, as mudanças de cores, de formas, de direção. Parece uma dialética que o artista trata com a obra, com forte interferência do acaso, induzindo novos movimentos até sua completude.

A obra "Explosão solar - calor e luz" é curiosamente diferente. O artista explora outros materiais e rompe com a tensão do círculo criando outras tensões. Há um corte seco na horizontal e uma movimentação vertical, marcada principalmente pelas texturas. Há também uma separação mais brusca na cor. Pode-se dizer pelo título que sejam os raios do sol em contraste com a escuridão do espaço, mas também podemos ir além e ver naquela escuridão algo secreto, denso e indecifrável, que é rompido por algum elemento mais leve e luminoso. Há uma troca de energia nesse confronto, novamente temos uma sensação de harmonia.

Explosão solar - calor e luz

Explosão solar - calor e luz - detalhes

Explosão solar - calor e luz - detalhes

Explosão solar - calor e luz - detalhes

As obras conseguem sintetizar de forma muito poética esses constrastes e dualidades, esse fluxo de energia que se expande e se contrai, remetendo assim a nossos próprios sentimentos.

Observando as telas bem de perto é possivel, ainda, perceber que elas se desdobram em infinitas outras obras, em cada quadrante, em cada detalhe, há algo que passou despercebido numa visão geral. As obras não se mostram imediatamente, mas se revelam aos poucos, despertando uma sensação de descoberta, de comunicação. E quando se multiplicam nesses detalhes oferecem uma análise sempre nova, que pode refletir em nós mesmos.

Sem título - detalhe

Sem título - detalhe

Parabéns!

Lambe-lambe

2010-07-31T17:54:00.000-07:00

Cola de Polvilho

Ingredientes:

- 5 colheres de sopa de Polvilho doce

- 1 litro de água

- Cola branca

Modo de preparo:

Coloque as 5 colheres de sopa de Polvilho doce em 750 ml de água e dissolva bem, deixando cozinhar no fogo baixo até engrossar (será fácil perceber). Depois, coloque o resto da água fria e continue mexendo por mais alguns minutos. Tire do fogo e coloque um pouco de cola branca, para a cola grudar mais. De preferência, espere esfriar a cola e use em seguida (ou em alguns dias), não aconselho guardar.

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Segue uma receita mais fácil por @Andreas_____

cola de lambe-lambe: 1 copo daqueles (cheio) de medida de água fervente, 2 colheres de pau de farinha de trigo, + 1 copo de medida (cheio) de água fria e uma colher de pau de vinagre. Tcharãm! =) tá pronto.

Thanx ;)

some.iD

2010-07-21T15:45:00.001-07:00

série.iD
Autoria: Izis Cavalcanti

Essa é a continuação e explicação textual da série.iD, um conjunto de fotos sobre a identidade. Nesse post estão as fotos da série some.iD e no post abaixo a continuação com as séries iD.concreta e organic.iD. Abaixo tem o ensaio explicativo. Esse projeto foi apresentado na disciplina Experimentações tecnológicas em artes visuais ART 186 do curso de artes visuais da Unicamp.

MOTIVAÇÕES
O ensaio começou a partir de uma análise do feminino. Na busca de conciliá-lo entre a representação figurativa ou abstrata, percebi que a inspiração por trás da feminilidade ia de encontro com a identidade que tais formas acabavam transmitindo. Nesse momento, a pesquisa passou a considerar as possibilidades da construção de um discurso por meio da transformação ou da descontextualização do referente.

Essa elaboração foi resultado de estudos teóricos sobre a fotografia, que me levaram a questionar sua linguagem simbólica assim como suas diferentes formas de registro e interpretação.

Com orientação da Profa. Dra. Tatiana Fecchio, a pesquisa enfocou os 3 aspectos relacionados às "instâncias do ser" presentes na identidade: “o que é?”, “como se apresenta?” e “como está?”.

Partindo desses pressupostos busquei retratar a identidade em vários aspectos, como o estudo da sombra e da luz, de objetos, ambientes e de pessoas. A idéia era pegar algo real e transformar sua imagem em algo abstrato ou que não permitisse sua identificação, questionando, assim, a mimese fotográfica e o retrato.

QUESTÕES TÉCNICAS
São 3 séries abordando diferentes aspectos das instâncias do ser.

Capa
A foto dos cadeados é uma colagem de vários cadeados tirada dos armários que ficam no corredor da sala de artes visuais. É interessante observar quantas soluções diferentes para a mesma necessidade de privacidade, e pensar o quanto isso revela das escolhas pessoais.

iD.concreta
Esse ensaio também realizado na Unicamp e buscou explorar as formas arquitetônicas da biblioteca por meio de diferentes ângulos de um mesmo local. Não há referências espaciais para orientação vertical ou horizontal. No processo de abstração, o forte contraste eliminou a cor que permitia o reconhecimento do ambiente e o corte limitou a percepção, criando, dessa forma, um novo cenário. O termo concreta foi escolhido em referência a arte concreta brasileira, com suas formas geométricas e angulares.

organic.iD
A luz também tem suas características próprias. Quando seu registro fotográfico é feito em movimento ela altera sua forma continuamente, transformando o referente no momento do registro fotográfico e criando padrões gráficos orgânicos e abstratos.

some.iD
A proposta desse ensaio difere dos outros dois quanto à forma. O conceito já não é questionar a mimese fotográfica, mas o retrato como prova de uma identidade. Diferentes partes dialogam entre si na construção de um corpo genérico. Cria-se a dicotomia entre aquilo que é próprio e característico de cada um e aquilo que é comum nas pessoas. “Some” sugere o anonimato, “alguma identidade”, “alguém” e as fotos mostram o detalhe, que por vezes não é notado, mas que é parte intrínseca da identidade.

ASSOCIAÇÕES
DISCUSSÕES PROPOSTAS

O essencial é que, ao arrancar do mundo um pedaço de espaço, o ato fotográfico faça dele um novo mundo (DUBOIS, 1994, p.210).

Segundo Susan Sontag (2004) “uma pessoa é um conjunto de aparências, as quais podem revelar, mediante um foco adequado, infinitas camadas de significação”. A autora também faz a seguinte observação sobre a fotógrafa Diana Arbus:

A persistente mesmice da obra de Arbus, por mais distante que a fotógrafa se coloque em relação a seus temas prototípicos, mostra que a sensibilidade dela, armada de uma câmera, era capaz de insinuar angústia, perversão e doença mental em qualquer tema (SONTAG,2004, P. 47).

O ensaio aborda a subjetividade da identidade e a descaracterização da fotografia como um registro mimético. A fotografia se afirma então como transformação do real, descaracterizando o referente e propondo uma nova identidade a partir do olhar do fotografo.

Desde sua invenção a fotografia consagrou-se como um retrato fiel da realidade. Ainda hoje, apesar de todos os estudos já realizados, ela ainda apresenta esse vínculo com o referente. Mas como desconstruir o discurso da mimese? O presente ensaio, fruto da pesquisa realizada, busca romper com o registro do real, descaracterizando o referente

As fotos permitem observar a transformação do referente numa criação gráfica abstrata, perdendo a forma original cujas características o tornavam reconhecível. Entretanto os acidentes do referente não foram modificados; sua forma, sua essência ainda é a mesma, mas sua identidade já não é mais. As figuras buscam pesquisar a formação de identidade a partir de uma mesma fonte essencial.

Não há nas imagens um tema ou uma forma inovadora, entretanto há nelas um conceito estruturado que permite novas releituras e possibilidades fotográficas. O estudo estimulou muitas outras idéias de registro sobre a identidade.

O acaso e a experimentação foram fundamentais na construção de algumas imagens.

REFERENCIAS
BARTHES, R. A Câmara Clara. Rio de Janeiro, Nova Fronteira, 1984.
DUBOIS, P. O ato fotográfico e outros ensaios. Campinas, Papirus, 1994.
SONTAG, S. Sobre fotografia. São Paulo, Companhia das Letras, 2004.

© Proibida reprodução.

Série iD

2010-05-22T22:01:00.000-07:00

Série iD é um ensaio fotográfico de minha autoria realizado no curso de Artes Visuais da Unicamp e consiste numa pesquisa de poéticas relacionada a identidade.

A pesquisa teve como base teórica o texto de Barthes (A Câmara Clara) que explora a subjetividade presente no fazer e no observar da fotografia; no qual a foto é o registro de uma escolha, de um ponto de vista delimitado por um recorte temporal e espacial, sujeita ao olhar do fotográfo que decide como pretende mostrar sua identidade. De forma semelhande, Philippe Dubois vai aprofundar as questões de construção da identidade fotográfica por meio de tais recursos. Dessa forma, o presente estudo tinha como objetivo estudar os processos de manipulação na reconstrução de uma nova identidade fotográfica.

Sob orientação da Profa. Dra. Tatiana Fecchio, a pesquisa enfocou os 3 aspectos relacionados as "instâncias do ser" presentes na identidade: o que é? como se apresenta? e, como está?

As fotos abaixo permitem observar a transformação do referente numa criação gráfica abstrata, perdendo a forma original cujas características o tornavam reconhecível. Entretanto os acidentes do referente não foram modificados; sua forma, sua essência ainda é a mesma, mas sua identidade já não é mais.

© Proibida reprodução.

Poesia

2010-03-10T06:23:00.000-08:00

de que se serve a arte?
de que se alimenta?
e se veste?
de que me adianta?
e para que me dou?
alguns há que se beneficiam,
mas que sabem,
do feitor?
que sabem do feito,
do fazer,
o que se da,
sem receber?
horas, perdidas,
que não se pagam
não se contabiliza.
enfim, desisto?
de que me vale?

Izis Cavalcanti

Adelaide Lopes Gonçalves

2010-02-08T04:57:00.000-08:00

Retrato de Adelaide por sua colega da Escola Nacional de Belas Artes. Rio de Janeiro, 1919. Óleo sobre tela, 107cm x 160cm. Coleção particular.

Adelaide Lopes Gonçalves é minha bisavó, a qual não conheci pessoalmente mas que, desde criança, esteve presente nos meus primeiros contatos com a pintura artística. Ainda hoje olho seus retratos, impressionada com sua técnica e com aqueles rostos desconhecidos. Uma mulher que certamente devia ser excepcional, pois que, em 1913 estudava Belas Artes, mas que teve seu talento tão pouco difundido.

Escola Nacional de Belas Artes.

Nasceu no Rio de Janeiro, em 11 de maio de 1893, falecendo em 6 de janeiro de 1961, em São Paulo. Formou-se em Pintura na Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Foi aluna, dentre outros mestres, de Eliseu Visconti, João Batista da Costa, Zeferino da Costa e Daniel Bérard.

A família dispõe de 14 obras, em giz pastel e óleo sobre tela. As obras foram fotografadas e documentadas indicando a localização e o ano em que foram produzidas. Algumas estão disponíveis abaixo, mas é possível ver o acervo na página do Flickr.

Autorretrato. Rio de Janeiro, 1921. Giz pastel. Coleção particular.

Estudo de modelo vivo, ENBA. Óleo sobre tela, 50cm x 56cm. Coleção particular.

Estudo de modelo vivo, ENBA. Óleo sobre tela, 42cm x 54,5cm. Coleção particular.

Ana Paula Cavalcanti Simioni, pesquisadora da USP, que escreveu sua tese de doutorado sobre artistas brasileiras atuantes no período de 1844 a 1923, separou algumas exposições nas quais ela participou:

Em 1913 participou com duas telas no Salão Nacional de Belas Artes, Retrato de Mlle MLC e Mlle AG, ganhando a pequena medalha de prata, "prêmio distindo na época, o terceiro maior, perdendo apenas para o prêmio de viagem e para a medalha de ouro".

Também participou em 1915 com o óleo Tecendo Palha; em 1916 com quatro pastéis: Bordando, Retrato de João Lezel, Mademoiselle X e Camila; e em 1917 com o pastel Innocencia.

Innocencia. Rio de Janeiro, setembro de 1916. Giz pastel, 94cm x 65cm. Coleção particular.

O Museu Paulista (do Ipiranga) tem em seu acervo a Série "São Paulo Antigo", em óleo, e o Museu Republicano de Itu - SP, tem Retrato de João Lýcio e Retrato de José de Souza, datados de 1939, também em óleo.

Além disso, possui referências impressas a seu respeito nas seguintes publicações:
• Braga, Teodoro. Artistas Pintores do Brasil (p. 27 e 28)
• Freire, Laudelino. Um século de pintura (p. 513 e 519)
• Rubens, Carlos. Pequena história das Artes Plásticas no Brasil. Edição de 1941, p. 242.
• Silva, M. Nogueira da Silva. A pintura feminina no Brasil. Sociedade Brasileira de Belas Artes - RJ. Período de 1910 a 1935.
• Catálogo do Salão Nacional de Belas Artes. Rio de Janeiro, 1922.
• Catálogo do 1º Salão da Primavera. Rio de Janeiro, 1923.
• Catálogo do 42º Salão Nacional de Belas Artes. Rio de Janeiro, 1936.
• Catálogo do 1º Salão Paulista de Belas Artes. São Paulo, 1934 (p. 73, 196 e 197)
• Diário Popular, São Paulo - 06/02/1934.
• A Notícia, Rio de Janeiro - 17/09/1941.
• Guzik, Alberto. Paulo Autran: um homem no palco. São Paulo, 1998 (p.20, 22, 34)

Colagem contemporânea: Japão

2009-12-28T19:16:00.000-08:00

Passei as últimas duas horas pesquisando sobre arte contemporânea no Japão. Essa pesquisa me levou a tantos nomes e imagens que não conseguiria aqui resumir, sintetizar ou concluir qualquer coisa. O simples fato de absorver, olhar e tomar conhecimento de tamanha quantidade de informação é o suficiente por enquanto. Segue abaixo como uma coisa levou a outra até chegar na Itália!

• Museu de Arte Contemporânea do século XXI em Kanazawa no Japão

"O novo museu em formato circular de 112.5 metros de diametro investe na horizontalidade, atuando como uma praça privilegiando multiplos acessos . Salas de exposição de diversas dimensões e configurações permitem vários arranjos para propostas curatoriais. Boa parte dessas salas são iluminadas zenitalmente. Não existe um roteiro de visitação pois pretende-se dar ao visitante ampla liberdade de acesso e uso não só das áreas expositivas como também das áreas de serviço e sociais.

O projeto desse novo museu ficou a cargo da dupla de arquitetos japoneses Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa, os mesmos que também assinam o novo prédio do New Museum of Contemporary Art de Nova Iorque.. "
Fonte: Forum Permanente

Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa

"Mas a principal lição oferecida pelo Museu do Século XXI é que o respeito entre as obras de arte, que não são eclipsadas, e a arquitetura, que não se deixa eclipsar, deriva do contato estreito entre dois profissionais - o arquiteto e o curador -, cada um deles, como foi o caso, legitimamente interessado no métier do outro. Assim, se de um lado estava Kazuyo Sejima e Nishizawa Ryue (leia-se grupo SANAA), de outro encontrava-se Yuko Hasegawa. Se Sejima e Ryue venceram a Bienal de Veneza, Hasegawa é uma das profissionais mais respeitadas dentro da cena artística contemporânea, atenta às demandas atuais de uma instituição museológica como também da natureza multidiversificada da arte contemporânea." (Bravo)

Yuko Hasegawa
Curadora do Museu de Arte Contemporânea de Tóquio, Yuko Hasegawa teve a tarefa de fazer, a convite do Museu de Arte Moderna de São Paulo, uma mostra para as comemorações do centenário da imigração japonesa no Brasil. O resultado foi a exposição Quando Vidas se Tornam Forma: Diálogo com o Futuro - Brasil-Japão, que será inaugurada na quinta-feira, 10, no MAM e que reúne trabalhos de 21 artistas brasileiros e de 18 japoneses.

Nesse sentido, o viés escolhido por ela foi ampliar o leque de gêneros dos trabalhos criando também núcleos com peças de design, moda, arte e música, o pop e arquitetura para além da pintura, escultura, desenho, foto e vídeo - sacos de lixos pretos, "desagradáveis", se transformam em vestido criado pelo estilista Jum Nakao(...)
Fonte: Caderno 2

Jum Nakao

"Jum Nakao é estilista e diretor de criação, brasileiro e neto de japoneses. Vive na cidade de São Paulo onde se localiza seu ateliê."

Fonte: Jum Nakao

• Bubble Peddler

Na busca de vídeos sobre arte contemporânea japonesa, cheguei no vídeo Bubble Peddler, com uma abordagem muito interessante da luz. Não entendi nada do audio, e suspeito que seja da Alemanha. Pena que só está disponível no YouTube.

• Kartell
Incrivel observar como a internet integra pessoas e conhecimentos. Já tendo então passado pelo Japão, Brasil, Alemanha (?), encontro o site da Kartell (italiano), o qual já tinha tido a oportunidade de conhecer algumas peças 'anônimas' anteriormente.

Amazing! Amazing! Amazing at all!!

Curso superior de arte

2009-12-26T08:29:00.000-08:00

Existe uma questão relacionada a arte em São Carlos: são pouquissimos cursos relacionados a arte visual. Quem quiser se preparar, estudar arte ou desenvolver alguma técnica precisa ir para grandes centros como São Paulo, Campinas e Rio de Janeiro. Não só a cidade, mas toda a região tem uma carência de local para a prática e para exposiçôes.

Em 1996 foi inaugurado na UFSCar (Universidade Federal de São Carlos) o curso de audivisual "Imagem e Som": "estruturado para oferecer ao aluno uma formação humanística (fundamentos e suportes históricos e estéticos); formação teórico-prático (técnicas de expressão em Imagem e Som para conhecimento de todas as fases do processo criativo); e desenvolvimento de projetos (processo de finalização)."

Entre 2006 e 2007 foi lançado o curso de Educação Musical, também na UFSCar.

Não será hora de abrir um curso de artes visuais?

Na Unicamp o curso está estrutura em Bacharelado e Licenciatura, modalidade Artes Plásticas. Sua estrutura curricular abrange disciplinas de formação artística (desenho, pintura, gravura, modelagem, escultura, cerâmica, arte ambiental (em estudos para implantação), arte e tecnologia (em estudos para implantação)); Teoria e História da Arte; Arte Educação e Disciplinas Instrumentais (computação gráfica, desenho animado, desenho de propaganda, fotografia, laboratórios de projetos e pesquisas em cinema de animação, laboratórios de projetos e pesquisas em comunicação visual, laboratório de computação gráfica.

A grade parece muito interessante, mas o número de canditados ao curso tem diminuido bastante. Provavelmente devido a preocupação com a atuação no mercado profissional. Parece existir uma regra geral no Brasil de que o artista deve trabalhar como hobby e não como profissão. Então ele investe seu tempo, seu talento, numa atividade que não é reconhecida. Provavelmente muitos procuram as áreas mais comerciais como design, moda, cinema e arquitetura. Mas ainda assim a arte parece perseverar e vejo muitos ilustradores e designers conquistarem seu status de artistas plásticos.

O curso da Unicamp foi estruturado na década de 80 e previa a formação de professores de artes plásticas. Mas o campo da arte pode ser muito mais abrangente. Pode envolver planejamento e organização de exposições, produção literaria, organização e curadoria de museus. É preciso entender o mercado de arte, como proceder com a venda, com o marketing, com exposições e museus internacionais, leis de fomento, editais de concursos, há um vasto campo que permite a atuação artística. E acho que isso não está sendo explorado. Quem são os novos artistas brasileiros? E quais deles moram no Brasil? É um fato a se pensar...

Uso de imagem

2009-11-23T12:23:00.001-08:00

Preciso melhorar minhas condições de portabilidade:
Saindo da cidade me deparo com esse outdoor. Para tudo! Sai do carro e fotografa. Sigo viagem doida para colocar a foto na internet. Chego em São José e ligo um dos computadores mais lerdos que devem existir na região. Precisei abrir o explorer 5 vezes, foram praticamente 30 minutos para copiar a foto para o computador e conseguir finalmente abrir o site do blogger.

Aventuras tecnológicas a parte, gostaria de comentar sobre o uso de imagem. Trabalhando com livros didáticos, muitas vezes precisamos orientar os professores sobre a autorização para o uso das imagens disponíveis na internet. Com o google a vida ficou muito mais fácil. Basta digitar um tema, uma palavra qualquer e num instante pode-se usar qualquer imagem que apareça. Mas as pessoas precisam saber que existe uma lei de direito autoral que protege o uso dessas imagens e que é preciso autorização para uso particular ou comercial. Inclusive, é preciso tomar cuidado quando a imagem pode identificar uma pessoa, pricipalmente crianças, que precisam da autorização dos responsáveis.

Essa ilustração utilizada no outdoor foi feita por colaboradores do site da Idea Fixa, sendo inclusive a capa de um livro do site. No outdoor foi modificada e reutilizada para uma festa da Unesp. Repare o texto informando que a imagem é uma livre adaptação do trabalho de Will Murray e que tem seus direitos reservados. Entretando, Alicia Alaya do site Idea Fixa, informou que o nome correto do artista é Will Murai e que o uso da imagem não estava autorizado.

Banner promocional com a capa do livro.

Infelizmente o controle de uso de imagens é complicado, mas ainda assim, sua identificação é possível. Um trabalho que respeita o direito autoral é muito mais sólido e oferece segurança para o cliente que está contratando o serviço. Como designers, editores ou publicitários é preciso reforçar essa preocupação.

O Pequeno Universo Lúdico de Manccini

2009-11-19T16:59:00.000-08:00

Aconchego em 3 atos... uma ausência... Cadeirinha de madeira pintada, Cadeirinha de alumínio polido, Cadeirinha de bronze polido. 32,05 x 7 x 6 cm. Almofadinha de cetim com pérola, cordão de algodão com cera de abelha, mini livro 3,5 x 3,5cm.

Num mundo onde tudo é grandioso e espetacular, no qual muitas das peças de arte, desenho e pintura são uma expressão gritante da euforia caótica urbana, é muito reconfortante repousar seus olhos em peças tão claras e delicadas. Observar, no silêncio que se aprecia uma peça, as tantas variações de branco, do dourado com suas patinas ou sua superfície brilhante. É comovente o apelo convidativo e confortável das almofadas macias com seus sonhos de pérola.

A exposição de Manccini, no Centro Cultural da USP de São Carlos, é surpreendente em todos os aspectos: o traço dos seus desenhos, a força visual do branco e do preto, o acabamento das peças, tão cuidadoso e planejado. E ainda assim, acessível, pois podíamos toca-las como balanços. A miniatura tem essa irreverência das formas que se constroem na nossa mente. Lúdico, algo da infância, onde o mundo dos adultos parece se transformar numa fantasia gigantesca, e então temos vontade de subir pelas escadas e chegar ao topo para repousar e apreciar a vista.

O Rei, o Poeta e o Andarilho. Alumínio polido, almofadinha de cetim, tapetinho em fibra sintética e cordão de algodão com cera de abelha. 11 x 11 x 34,05cm

Mini livros e caderninhos de anotações.

O corpo e o Tempo... a segunda pele. Mini camisa: Cera de Abelha, Alumínio polido, bronze com patina marrom. 15 x 12 x 1 cm

Nanquin e caneta branca, papel vegetal.

Nanquin e caneta branca, papel vegetal.

O material utilizado valorizava ainda mais as peças. Além dos metais, os desenhos em papel vegetal também chamavam a atenção para a forma, para a estrutura, ampliando sua percepção para além da imagem e do conceito.

Manccini e Regina Pereira Lopes

A Regina Pereira Lopes também estava abrindo sua exposição de Arte Digital juntamente com Manccini.

Conheça São Paulo

2009-11-10T05:23:00.000-08:00

Para conhecer São Paulo vale esse site como guia:
http://www.saopaulo.sp.gov.br/conhecasp/pontosturisticos

Rodin: Passo-a-passo de uma escultura de bronze!

2009-11-03T17:47:00.001-08:00

A exposição de Rodin no Masp tem como abertura a estátua Três Sombras. É claro, sua beleza é indescritivel: imensa, ricamente detalhada e robusta. As estátuas femininas eram lindas e delicadas. E achei os pés e as mãos tão graciosos que me pegava olhando todos, um a um, acompanhando com os olhos todas suas curvas e detalhes.

Como ele fazia as esculturas? Como eram feitas em cobre? Tinha um vídeo explicativo, mas que não conseguiu me esclarecer o procedimento. Felizmente, na Pinacoteca de São Paulo, tinha uma montagem explicando o passo-a-passo para você produzir sua própria estátua em bronze! Ou pelo menos entender um pouco desse processo tão engenhoso...

MODELO

"Modelo em gesso do estudo de Adão (elemento da Porta do Inferno), de Auguste Rodin, proveniente do Museu Rodin, Paris."

ETAPA 1

"O modelo em gesso é recoberto por uma camada de silicone e poliuretano, formando um negativo - ou molde - do modelo original."

ETAPA 2

"Um material refratário (que suporta temperaturas elevadas) é derramado no molde de silicone."

ETAPA 3

"São retirados três a quatro milímetros da espessura do material refratário antes de assentá-lo outra vez no molde de silicone. O espaço vazio é preenchido com cera derretida."

ETAPA 4

"Quando a cera esfria e seca, o molde de silicone é aberto. A cera, fiel ao modelo em gesso, recebe a assinatura do escultor, o número da tiragem e o selo de fundição."

ETAPA 5

"Condutores metálicos são fixados em volta da peça de cera."

ETAPA 6

"A cera recebe um revestimento cerâmico de cerca de um centímetro de espessura. O conjunto é levado ao forno (até 750ºC), onde a cera derrete e a cerâmica é queimada, tornando-se resistente. A cera escoa pelos condutores inferiores e se perde - daí o nome deste método de fundição."

ETAPA 7

"Em seguida o bronze em estado líquido é derramado a 1150ºC pelos condutores superiores, substituindo a fina camada de cera.
Após o resfriamento, os condutores são removidos, o revestimento cerãmico externo é quebrado e o material refratário no interior da peça é retirado (a escultura é oca)."

ESTÁTUA PRONTA

"Depois, a escultura passa pelo cinzelamento, que consiste em fazer desaparecer as rebarbas da fundição e as marcas deixadas pelos condutores metálicos. Muitas vezes o bronze ainda recebe uma pátina - reação química que produz uma película de cor na superfície do metal."

Fonte: Fundição de Coubertin, Vallee de Chevreuse, França
Doação Aremar Art-log (Pinacoteca de São Paulo, novembro de 2009)

Arte na escola

2009-10-28T17:22:00.000-07:00

Não é fácil seguir a proposta de produzir um conteúdo. São fotos, tempo, texto... e a coisa fica mais complexa do que simplesmente dar um RT de algum outro blog.. mas enfim, fazemos por amor.

Esse post é sobre a apresentação anual da CCI/USP São Carlos (Centro de Convivência Infantil) e que certamente deve ser uma das melhores escolas infantis da região. Esse ano cada sala desenvolveu um projeto de acordo com o nome da turma e fizeram uma feira aberta à comunidade.

Seguindo na linha da arte popular, que com seu improvisso, cores e espontaneidade confronta os parametros do clássico e do contemporâneo, vejo nessa arte escolar uma profusão de novas ideias e soluções, chegando até mesmo a questionar a capacidade criatividade de todos nós. Porém, o principal diferencial desse trabalho é a participação coletiva de pais, crianças e professores, criando um alegre e diversificado ambiente, como pode ser visto nas fotos abaixo.

1. Turma da Maria Fumaça
A turma da Maria Fumação é composta por alunos entre 3 e 4 anos. Desde o começo do ano eles fizeram várias atividades com o fio condutor do tema Maria Fumaça. Visitaram a estação de trem de São Carlos, conversaram com o maquinista, estudaram diferentes culturas e poesias.

Na montagem anual eles construiram uma verdadeira estação ferroviária. A parede da estação foi pintada com vassouras velhas e a locomotiva com giz de cera. A locomotiva também tinha uma estrutura que permitia mover imagens com diferentes cenários como cidade, montanha, floresta, como se fossem a janela do trem mostrando as paisagens.

A estação também tinha uma bilheteria e bancos, todos pintados pelas crianças, onde podiam brincar com dinheirinho e colocar os bonecos para sentar. Cada aluno fez com seus pais um boneco de pano que deveria se parecer com ele. E como as soluções apresentadas foram diferentes! A forma de desenhar os olhos, o tipo de tecido escolhido, o acabamento... Todos esses detalhes acabaram enriquecendo o projeto, criando uma identidade.

2. Homens da caverna
Eu sou muito suspeita para falar, porque realmente >adoro< arte rupestre, mas não é lindo essas crianças fazerem uma caverna com pinturas das suas mãos? Observe como a linguagem visual é ampla: as cores utilizadas, os materiais, o tipo de letra. Em cada material está implicito características que remetem a natureza, a terra, a aridez.

3. Africanidades
A sala de africanidades tinha uma nega-maluca linda de morrer!! Detalhe para a casa de bonecas feita de papelão e apoioada na parede. As bonequinhas são todas de tecido com nós formando a cabeça, as mãos e os pés. O tecido que faz a roupa fica enrolado no corpinho de pano. Além disso você pode mudar as bonecas dentro da casa porque elas tem um velcro atrás.

Aqui um estudo de máscaras. Muito expressivas, apesar da simples confecção. Para ver que não é preciso muito para se passar um conceito forte.

Mais um pouco de africanidades, analisando a cultura negra, muito rica também.

Sem querer entrar numa discusão polêmica/filosofica/estética; depois de tudo isso, deparei com um artigo no Estado sobre uma crítica de arte contemporânea muito influente, que questionava as artes atuais e o papel do museu contemporâneo. E me pergunto, porque a arte precisa ser tão circunspecta? Porque não pode ser assim: alegre, despretensiosa e colaborativa?

3º Contato UFSCar

2009-10-11T20:03:00.000-07:00

"O CONTATO – Festival Multimídia de Rádio, TV, Cinema e Arte Eletrônica é um projeto da Universidade Federal de São Carlos que fomenta o cenário cultural de São Carlos e região central do Estado de São Paulo e busca desenvolver integração em torno de atividades artístico-culturais. O evento é composto por apresentações gratuitas de música, cinema e instalações de arte eletrônica; atividades de formação e aperfeiçoamento de profissionais nas áreas abrangidas e debates amplos sobre as temáticas abordadas."

E já que estamos falando de referências, porque não citar as referências do 3º Contato, Festival artistico realizado em São Carlos pela UFSCar.

O primeiro festival do Contato foi realizado na Estação de Trem da cidade e enquanto as bandas tocavam as pessoas podiam ver o trem passando ao seu lado. Esse ano o evento está sendo realizado na praça Coronel Salles e mostra diversas formas de expressão visual. Segue abaixo as que mais me chamaram atenção:

1. Capas de cd das bandas

2. Cultura popular

3. Pessoas

4. Intervenção digital muito louca!!

5. Fotografias experimentais

Conferências TMDG 2009

2009-10-11T12:27:00.000-07:00

Depois de um milagre, um fato completamente inesperado, eis que consegui ir no 8º Encontro Internacional de Design Gráfico em Mar del Plata - AR.

"TMDG es esa pandilla de personas que estas viendo a tu alrededor, quizás no los conoces, y es muy posible que ellos tampoco a vos, pero que estén acá ya dice mucho de ambos. Están buscando algo diferente, están interesados en formarse, dejarse asombrar y obvio, divertir-se."

Esse trecho de apresentação no programa do evento define bem o que o é o TMDG e como nos sentimentos ali. Achei a organização brasileira da Idéia Fixa muito boa e conheci pessoas muito interessantes. Realmente, as apresentações iam além do lugar comum no design e propunham soluções inesperadas, com conceitos fortes e técnica de ilustrações muito elaboradas.

A ilustração, o desenho, era a ponto forte na maioria das palestras. O que acabou por criar um questionamento sobre o quanto do design é ilustração, é autoral e o quanto é organizar elementos numa estrutura qualquer para transmitir uma mensagem. O que me pareceu mais emotivo e menos lógico e racional. Porém, além de qualquer técnica e estética aplicada, creio que a principal mensagem dos conferêncistas era sobre a proposta criativa do design, seu sentido de ir além, de inovar, de criar elementos que não sejam simplesmente comprados num banco de imagens e num banco de fontes tipográficas. Penso que nos lançaram um desafio: quão longe conseguem ir usando seus próprios recursos, técnica e desenho? Fato que me pertubou muito, que me motivou a criar soluções ao invés de achar soluções prontas e fáceis.

No encerramento do evento foi feito um debate onde os ouvintes podiam fazer uma série de perguntas. Muitas perguntas eram desnecessárias, muito complexas a até mesmo confusas, mas parte delas e das respostas responderam uma dúvida que estava entalada: quanto do design deve ser arte e quanto deve ser comercial e funcional? Responderam que não existia essa separação no design, que "existem trabalhos interessantes e trabalhos chatos".

Utilizando dois dos principais fundamentos de marketing podemos entender essa posição: segmentação e posicionamento. Por meio do briefing determinamos o que devemos atingir com o design, como é o público alvo e qual o perfil da empresa. A partir daí é criada a solução e a proposta. Os trabalhos apresentados no congresso tinham um nicho específico, uma segmentação e um posicionamento bem definido pelo cliente. Isso determinada se a arte deve ser mais inovadora e conceitual, ou séria e institucional.

Alex Trochut
"Qué decir de un personaje del que se dijo tanto en los últimos años?
Tipógrafo revelación, su trabajo ornamentalmente funcional nos dejo impactados a primeira vista. Desde sus trabajos para empresas como Nike o artistas como The Rolling Stones, su calidad y factor sorpresa es constante." (Trecho escrito no programa do evento)

Esse foi o começo da palestra quando ele comentou desse projeto de seu avô, que desenvolveu uma estrutura de módulos, usada para impressão em tipografia, que agilizava o trabalho e permitia variadas composições.

Inspirado nesso conceito de módulos, ele criou uma família tipográfica que mantinha algumas formas básicas a partir das quais se desenvolvia todo o alfabeto.

Nesse trabalho é possível ver as guide lines bem clarinhas, mostrando a estrutura do desenho. Ele apresentava as peças nos vários estágios de produção, sendo que uma de suas dicas é apresentar ao cliente essas diferentes fases para evitar uma mudança na parte de finalização.

Abaixo segue um exercício de ilustração, onde ele estudava a deformação das mãos a partir de fotos com grande angular combinado com um estudo de líguidos.

Abaixo segue o detalhe de uma peça gráfica também utilizando uma técnica.

Arte Ambiental

2009-09-23T20:59:00.000-07:00

Fala-se muito do graffiti com arte, da sua intervenção, seu espaço conquistado. Mas tal argumento alheia-se ao fato da arte contemporânea ter marcado na década de 60, com a Minimal Art, essa separação entre pintura e escultura, propondo uma nova forma de expressão que buscava a integração entre o observador e a cena que era construída combinando o ambiente com a intervenção artística. O graffiti vem a ser uma forma de expressão de arte ambiental, que busca ligar a arte com a vida e com o mundo, chamando a atenção do observador para a sua volta.

"Os balanços e estudos disponíveis sobre arte contemporânea tendem a fixar-se na década de 1960, sobretudo com o advento da arte pop e do minimalismo, um rompimento em relação à pauta moderna, o que é lido por alguns como o início do pós-modernismo. Impossível pensar a arte a partir de então em categorias como "pintura" ou "escultura". Mais difícil ainda pensá-la com base no valor visual, como quer o crítico norte-americano Clement Greenberg. A cena contemporânea - que se esboça num mercado internacionalizado das novas mídias e tecnologias e de variados atores sociais que aliam política e subjetividade (negros, mulheres, homossexuais etc.) - explode os enquadramentos sociais e artísticos do modernismo, abrindo-se a experiências culturais díspares. As novas orientações artísticas, apesar de distintas, partilham um espírito comum: são, cada qual a seu modo, tentativas de dirigir a arte às coisas do mundo, à natureza, à realidade urbana e ao mundo da tecnologia."

A proposta aqui é fazer uma introdução a 3 tipos de arte ambiental que trabalham essa relação entre a arte, o espaço e o observador:

• Site Specific: são obras criadas de acordo com o ambiente e com um espaço determinado. Em geral são trabalhos planejados, em que os elementos esculturais dialogam com o meio circundante, para o qual a obra é elaborada.

Marconiplein (1983-87) Homage to Oud and van Doesburg - perpendicular planes, escultura de concreto, Rotterdam NL

• Arte Pública: também tem relação da arte com o ambiente e sua disposição num espaço acessível ao público. Entretando sua definição é mais complexa pois ela pode ser compreendida de duas formas: como as obras que pertencem aos museus e acervos, ou os monumentos nas ruas e praças, que são de acesso livre; ou à arte realizada fora dos espaços tradicionalmente dedicados a ela, os museus e galerias. Dessa forma ela pode estar inserida no conceito de arte contemporânea ou não, pois murais, estátuas, edificios podem ter essa característica independentemente da época em que foram criados.

Portinari, Painel de azulejos, Igreja São Francisco de Assis, conhecida por Igreja da Pampulha, Belo Horizonte, MG.

"A arte pública deve ser pensada dentro da tendência da arte contemporânea de se voltar para o espaço, seja ele o espaço da galeria, o ambiente natural ou as áreas urbanas. Diante da expansão da obra no espaço, o espectador deixa de ser observador distanciado e torna-se parte integrante do trabalho (nesse sentido, difícil parece algumas vezes localizar os limites entre arte pública e arte ambiental). O contexto artístico que abriga as novas experiências com o espaço refere-se ao desenvolvimento da arte pop, do minimalismo, do pós-minimalismo e da arte conceitual, desdobrando-se em instalações, performances, arte processual, land art, graffiti art etc."

• Instalações: o termo é incorporado ao vocabulário das artes visuais na década de 1960, designando assemblages ou ambientes construídos nos espaços das galerias e museus.

Maria Eugenia Lima, " As bosboletas do Pantanal", 750 borboletas de laminas de silicone suspensas por fios de nylon, total da instalação: 8 metros de altura. Foto de Muhpan (Museu do Pantanal).

O que integra esses três tipos de arte é a relação entre arte e ambiente. É a criação de um novo cenário que interage com o observador e que busca novas relações da arte com a vida e com o mundo à sua volta, características que são algumas das idéias presentes na arte comtemporânea:

"Quais os limites que permitem distinguir com clareza a arte ambiental, as assemblages, certos trabalhos minimalistas e as instalações? As ambigüidades que rondam a noção desde a origem não podem ser esquecidas, mas tampouco devem afastar o esforço de pensar as particularidades dessa modalidade de produção artística que lança a obra no espaço, com o auxílio de materiais muito variados, na tentativa de construir um certo ambiente ou cena, cujo movimento está dado pela relação entre objetos, construções, o ponto de vista e o corpo do observador."

Fonte: itaucultural

A arte popular de Cafundó

2009-09-18T19:35:00.000-07:00

Cafundó, Brasil 2005. Direção Paulo Betti e Clovis Bueno, com Lazáro Ramos.

SINOPSE: Cafundó é inspirado em um personagem real saído das senzalas do século XIX. Um tropeiro, ex-escravo, deslumbrado com o mundo em transformação e desesperado para viver nele. Este choque leva-o ao fundo do poço. Derrotado, ele se abandona nos braços da inspiração, alucina-se, ilumina-se, é capaz de ver Deus. Uma visão em que se misturam a magia de suas raízes negras com a glória da civilização judaico-cristã. Sua missão é ajudar o próximo. Ele se crê capaz de curar, e acaba curando. O triunfo da loucura da fé. Sua morte, nos anos 40, transforma-o numa das lendas que formou a alma brasileira e, até hoje, nas lojas de produtos religiosos, encontramos sua imagem, O Preto Velho João de Camargo. (Fonte: Cafundó)

É um filme que mistura fatos com fição sobre e vida de João de Camargo, um escravo liberto com a lei da Princesa Isabel. Achei realmente poética algumas passagens do filme, tanto pela parte biográfica, quanto pela delicadeza com que mostrou a arte popular e a cultura de ubanda negro-africana. Era complicado entender pq a arte popular é tão pouco valorizada no Brasil, mas esse filme confronta, expõe: a cultura negra, pagã, não-cristã. Uma cultura que foi reprimida e condenada enquanto a referência social e cultural do país se ancorava na cultura européia e católica. É fato que algumas obras de arte tenham uma qualidade estética refinada, cheia de referências e técnica. Mas também existe a valorização de uma arte vazia, sem identidade social, que não representa em nada a cultura brasileira, e que está nos museus. Que é patrocinada pelos orgãos culturais, enquanto a arte popular brasileira ganha o mercado internacional, e a cultura urbana do grafite e do pixo marcam sua presença. Essas estão do lado de fora das galerias que falam uma linguagem rebuscada que em nada toca ou sensibiliza grande parte da população. Cite-se a Bienal de Artes vazia. Muito triste essa falta de oportunidade dos artistas brasileiros. E o filme faz um belo retrato dessa arte tão alegre e colorida,cheia de sentimento.

"O filme tem uma riqueza de cores e de sincretismo religioso impressionante. É como um mergulho no Brasil profundo." (auroramirandaleao)

Programa de Promoção da Cultura Brasileira no Exterior

2009-09-11T12:01:00.000-07:00

Infelizmente, um pouco em cima da hora, mas vale ficar atento para as próximas seleções...

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Inscrições até 11 de setembro, pelo SICONV

O Ministério da Cultura, por meio da Diretoria de Relações Internacionais, lança um novo programa de Promoção da Cultura Brasileira no Exterior para dar apoio a artistas com experiência no território nacional mas ainda desconhecidos no exterior.

O objetivo é fomentar e desenvolver atividades voltadas para o processo de criação, produção e divulgação do produto cultural brasileiro nas áreas de música, artes cênicas, artes visuais, artes integradas e literatura. O MinC irá apoiar projetos que possam contribuir para a valorização da Cultura do Brasil no exterior e aumentar o acesso da produção cultural brasileira no circuito internacional.

O novo programa será disponibilizado no Portal de Convênios (SICONV) do Governo Federal, no programa de código 4200020090078. O programa atenderá projetos mediante processo seletivo. Saiba mais sobre o SICONV.

A divulgação cultural é fundamental para a construção diferenciada da imagem do país no exterior. Do ponto de vista de custo e benefício, já se pode provar que os investimentos do Estado brasileiro em Cultura podem dar bom retorno em termos de imagem do país, bem como de suas relações políticas e econômicas internacionais.

(Fonte: Diretoria de Relações Internacionais)

Tags: difusão cultural, DRI, Editais e Premiações, intercâmbio, Programa de Promoção da Cultura Brasileira no Exterior, Relações Internacionais, viagens

8 anos TMDG

2009-09-04T05:48:00.000-07:00

TRIMARCHIDG

Durante oito anos Pablo (thepacheco.com.ar) e Seba (miacampante.com) moldaram o TMDG, o encontro de design que pelo seu público foi considerado o maior da América Latina. E muitas vezes citado por meios internacionais como o encontro de design com o maior público no mundo, onde 5000 designers assistem a mesma palestra num estádio lotado.

Mas além dos títulos e nomenclaturas, TMDG segue sendo um ponto de encontro para estudantes e profissionais de design. O mesmo espírito que nasceu com o TMDG em 2002 diante de 400 pessoas é o mesmo que convive com o público hoje, que impulsionou dois estudantes de design a criar um ponto de encontro descontraído, onde as pessoas se reunem para aprender e conviver numa boa.

Conteúdo iconográfico das pinturas

2009-09-02T18:12:00.001-07:00

Segundo o livro "Para entender a arte", de Maria Carla Prette, existe uma classificação da arte em categorias de acordo com seu conteúdo figurativo. Esses são os gêneros artísticos citados:

• Arte sacra: imagens de divindades ou cenas religiosas.
• Mitológico: temas relativos à mitologia grega, romana ou de outras civilizações.
• Histórico: eventos ou personagens históricos.
• Retrato: pode ser de carater privado, real ou oficial.
• Cenas da vida cotidiana.
• Natureza-morta: frutas, flores, objetos e utensílios da vida cotidiana, intrumentos musicais, abates de caça, etc.
• Paisagem: natureza e vistas paisagísticas.
• Alegoria: composta de figuras e objetos com significados simbólicos.

Entretanto, como classificar o gênero artístico da arte primitiva, como a pré-histórica, da arte antiga egipcia ou de outra civilização, da arte abstrata? Esses termos poderiam ser considerados gêneros artísticos?

Minha tentativa de compreender os gêneros veio da tentativa de compreender o conteúdo iconográfico das pinturas, que também se mostrou inviável porque vai depender do período histórico e artístico analisado. Seu estudo deve compreender o conjunto de signos, símbolos e alegorias que a arte busca representar. Esse conjunto de códigos fazem parte da cultura e da história local, das tintas e cores disponíveis, da ambientação, dos artigos utlizados. Isso quer dizer que vai mudar de acordo com uma variável enorme de fatores, levando também em consideração os gêneros artisticos.

De qualquer forma, a autora faz uma breve analise de alguns desses temas:

• A alegoria/Conteúdos mitológicos
"A alegoria é uma representação que personifica conceitos, princípios morais, como as virtudes, os vícios, a dama, a glória, a justiça."

"Justiça", Luca Giordano. Afresco, Galeria do Palácio Medici-Riccardi em Florença, 1684-1686.

Esse afresco de Luca Giordano exemplifica a alegoria da justiça na figura de uma mulher (ainda sem a venda da imparcialidade - necesidades modernas) que traz na mão a balança, símbolo da justiça, da equivalência entre culpa e castigo, e a espada, que visa defender esse valor. É também uma peça com simbologias mitológicas como a cornucópia, seres alados, entre outros.

• Imagens sacras
"As imagens sacras foram codificadas pela igreja. O reconhecimento é feito com base em um sistema de signos iconográficos - figuras, objetos, símbolos - muito rico e variado. Esses signos são denominados atributos. Signos genéricos são a auréola, indicativo de santidade; a palma, símbolo do martírio; o livro, que indica um doutor da igreja, autor de obras de teologia."

Harwood Museum of Art

Existem ainda outros signos que elucidam a história pessoal do santo e suas potencialidades como intermediário entre Deus e os seres humanos. Esses atributos podem ser divididos em principais e secundários. Na iconografia de um santo o atributo principal é fundamental.

• Realeza
"Também as imagens dos personagens históricos constituem um compêndio de sinais visuais que transmitem a importância pessoal e simbólica da pessoa representada. A postura da figura, o ambiente que a cerca, os objetos particulares que lhe estão próximos contam quem é, qual a sua função social, quais os seus méritos e seu poder."

"Napoleon on his Imperial throne", Ingres. Oil on canvas, 260 x 163cm, 1804.

Nesse retrato de Napoleão, de Ingres, pode-se ver a representação da realeza por meio de seus símbolos iconográficos, como a coroa, o cetro e o manto vermelho. O ambiente também revela características de riqueza, prestígio e poder. "A figura está em posição frontal, em absoluta imobilidade, como prescrevia o cerimonial de coroação dos imperadores romanos."

Certamente esse assunto se estende infinitamente, mas já é um começo para entender algumas temáticas.

Fonte imagens: Wikipedia

Painéis em exposição

2009-09-02T09:10:00.000-07:00

A exposição dos Jovens Profissionais na Shopping Lar Center terminou no dia 13 de agosto. Agora os painéis estão expostos no Quality Hotel Anacã.

Sanguina

2009-08-23T20:07:00.000-07:00

"A sanguina é uma técnica de pintura baseada em uma variedade de óxido de ferro chamado hematita, que vem sob a forma de pó, bastão ou de chapa. Você pode ter diferentes matizes, todos na faixa do vermelho, daí o seu nome, lembrando o vermelho-sangue, desde o alaranjado até o vermelho pardovioláceo. Chamada antigamente de Sinopia, devido a cidade turca de Sinope, de onde veio a hematita, foi usada inicialmente para desenhos preliminares de fresco: o desenho de giz era aplicado diretamente sobre o revestimento da parede que ia pintar. A sanguina tornou-se técnica de desenho propriamente dita no final do século XIV: foi então empregada sobre um substrato de papel de apoio, quer na sua forma sólida (traço feito pela barra de sanguina), quanto pela forma líquido (água aplicada com pincel), e muitas vezes misturada com outras técnicas: plumilla (pintura de nanquim com pena), carvão ou giz branco. As qualidades essenciais deste material são a luminosidade e o poder nas encarnações ilusionista acabado, tornando esta técnica ideal para dois tipos de estudo: os retratos e os nus."
Fonte: wikipedia

Michelangelo

Da Vinci

Desenhos de traços são particularmente bonitos, como nanquim ou carvão. Mas acho a sanguina, quando usada de forma delicada, incrivelmente bonita. Não sei que referência é essa dentro de mim, mas sempre me faz buscar esse aspecto envelhecido do desenho, com os traços, papel amarelado como o desses desenhos.

Num curso de arte educação fiz um esboço com areia, procurando imitar a sanguina. Até então, apesar de ja ter ouvido falar do nome, não tomei consciência de que buscava o mesmo efeito, foi inconsciente. A mesma coisa em 3 trabalhos que fiz. Eu me lembrava da estética, da imagem, mas não pensava na tecnica utilizada. Será possível fazer tinta a partir da terra e da areia?

Esses que ficaram no meu inconsciente quando fiz o desenho de areia. São de Da Vinci.

Desenho digital, Izis

SeIS.9

2009-08-23T18:06:00.000-07:00

Inscrição de fotos e ilustrações para Exposição 69

A Exposição 6.9 é uma realização dos organizadores da 9ª Semana da Imagem e Som – SeIS.9, evento anual organizado pelos alunos do curso de Imagem e Som da Universidade Federal de São Carlos que este ano tem por tema a “sexualidade no audiovisual”.

A primeira edição da exposição está acontecendo no segundo piso da Biblioteca Comunitária - BCo da UFSCar e vai até o dia 29/08. Esta exposição propõe reunir diversos olhares sobre a sexualidade através da perspectiva da fotografia e do desenho, que constituem uma pequena amostra de uma abrangente representação do sexo e da sexualidade presentes nos diversos meios audiovisuais, temática esta que será explorada durante o evento por meio de debates,oficinas, mostras de filmes, vídeos, fotos, artes plásticas e multimídia.

Uma segunda edição da Exposição 6.9 acontecerá durante a SeIS.9 (de 09 a 16 de setembro) e terá caráter intinerante, sendo exposta em diversos lugares da UFSCar e da cidade de São Carlos conforme os espaços onde estarão ocorrendo as atividades do evento. Para enviar seu material fotográfico ou sua ilustração basta enviar um mail para contato.seisnove@gmail.com

Flickr - Arte Experimental!

2009-08-14T22:07:00.000-07:00

Agora eu tenho uma conta no Flickr! Com trabalhos artísticos puramente experimentais. É uma compilação de varias fotos, desenhos e projetos que tenho feito desde 2003. Para quem quiser conhecer vai o link e algumas fotos abaixo. Enjoy it!

Concurso “Smoking hot!”

2009-08-14T18:08:00.000-07:00

O projeto é o “Smoking hot” um mini livro com o tema SEXO, com 50 citações de várias personalidades. Para que tudo dê certo como imaginamos, precisaremos da ajuda de outros designers para a parte ilustrativa, e a melhor forma para isso é um concurso – já que, infelizmente, não temos condições de trabalhar colaborativamente com cada convidado.

Então atenção para as regras:

O trabalho enviado deve relatar o tema SEXO, seja de forma sutil ou escrachada, não temos problemas com extremos contanto que não seja pura e simplesmente pornografia. Pode ser narrativo ou não, pode ser engraçado – inclusive não buscamos um tom de seriedade com esse projeto. Pode ser utilizada qualquer técnica, desenhos, colagens, pintura, desenho digital, fotografia, grafitti, etc, contanto que o tema esteja presente na peça.

COMO ENVIAR SEU ARQUIVO

Enviar em alta (300dpi – 5,2 x8,2cm – EPS), confirmando seus dados (nome, url e país) para o email vorko@vorko.org

A data limite é 31/08/2009 então o tempo é curto!

Os selecionados ganharão uma cópia do livro, e menção no site/blog/twitter/flickr.

Colaborem, enviem trabalhos, divulguem! Obrigado!

Lista de filmes que abordam artes plásticas

2009-08-14T17:59:00.000-07:00

Ainda em construção, mas segue abaixo uma lista de filmes com temas relacionados a artes plásticas. Algums da comunidade do orkut e outros do site de história da arte. Enjoy!

• AGONIA E ÊXTASE, 1965. (Michelângelo)
• GOYA, direção Carlos Saura
• ARQUITETURA DA DESTRUIÇÃO, direção Peter Cohen
• BASQUIAT - TRAÇOS DE UMA VIDA, 1996, direção Julian Schnabel.
• OS AMORES DE PICASSO, 1996, direção James Ivory.
• NÓS QUE AQUI ESTAMOS POR VÓS ESPERAMOS, 1999, direção Marcelo Masagão
• FESTA DE BABETE, 1988, direção Gabriel Axel
• SEDE DE VIVER, 1956, (Vincent Van Gogh) direção Vincent Minneli
• CAMILLE CLAUDEL, 1988, direção Bruno Nuytten
• SONATA DE OUTONO, 1978, direção Ingmar Bergman
• MONDIGLIANI - PAIXÃO PELA VIDA, 2004, direção Mick Davis
• FRIDA, 2002, direção Julie Taymor
• MOÇA COM BRINCO DE PÉROLA, 2003 (Vermeer)
• MOULIN ROUGE, 1952, Direção de John Huston,
• MOULIN ROUGE, A VIDA DE TOULOUSE-LAUTREC, 1963, Direção de Geraldo Vietri
• MOULIN ROUGE!, 2001(Toulouse-Lautrec), Direção de Baz Luhrmann
• POLLOCK, 2000, dirigido por Ed Harris

Escola de Arte do Bosque / Candido Portinari

2009-08-07T11:31:00.000-07:00

A Escola de Arte do Bosque / Candido Portinari, da Secretaria Municipal da Cultura de Ribeirão Preto-SP, oferece cursos gratuitos, com inscrições abertas no início de cada ano, e também no mês de julho para vagas remanescentes. Promove uma exposição de final de curso, na Casa da Cultura de Ribeirão Preto, com trabalhos de alunos, selecionados pelos professores.

Informações pelo telefone (16) 36361206 – ramal 231, ou pessoalmente na Praça Alto do São Bento, s/n°, Ribeirão Preto-SP, das 8h às 12 horas e das 13h às 17 horas, de segunda a sexta-feira.

"A Escola de Arte do Bosque, durante seus mais de 50 anos de existência, já formou e vem formando grande número de artistas que hoje atuam com destaque nas artes plásticas da cidade."

High dynamic range imaging

2009-07-24T00:20:00.000-07:00

Interessante...

http://www.flickr.com/photos/paulobar/230134559/
Author: Paulo Barcellos Jr.

Jovens Profissionais 2009

2009-07-19T20:05:00.000-07:00

Tive 2 painéis selecionados para a Amostra Jovens Profissionais. O primeiro é sobre a Catedral de Brasilia e o segundo um autoretrato. Usei uma técnica de ilustração e fotomontagem. Vão ficar expostos no Shopping Lar Center do dia 18 de julho ate 8 de agosto. Penso em aprensenta-los na exposição cultural em Araras também. Abaixo segue a foto dos dois paineis. Gostei da referência de HQ das peças.

Alguns dados sobre a Seleção

A Seleção Jovens Profissionais contou com 1.772 inscritos, abrangendo 22 estados brasileiros além de inscrições das cidades de Coimbra, Lisboa e Porto, em Portugal. Foram 3 fases de seleção nas categorias Artes, Design de Interiores, Paisagismo e Estudantes, sendo 4 jurados na categorias artes:

1. Alcindo Moreira
Mestre e Doutor em Artes, Professor da Universidade Estadual paulista. Premiado pelo governo do Estado de São Paulo 1976, nos Panoramos de Pintura 1993 e Desenho 1993 do Museu de Arte Moderna (MAM SP), Prêmio Viagem ao Japão da Fundação M. Okada, Exposição Individual na Embaixada do Brasil/Itamaraty, em Washington, 1986.

2. Eduardo Rodrigues
Coordenador do Curso de Design de Interiores (desde 2008) na Panamericana Escola de Arte e Design. professor desde 1987 na Panamericana Escola de Arte e Design. Professor do curso de Arquitetura e Urbanismo na Faculdade de Belas Artes de São Paulo (1989 a 1993).

3. Fábio Guimarães
Diretor da maior escola técnica de arte e design da região de Campinas, a Arquitec Escola de Arte e Design que em 2009 comemora 30 anos.

4. Norberto Stori
Faculdade de Artes Plásticas e Comunicações da Fundação Armando Álvares Penteado. Livre Docente em Artes Visuais pela UNESP/SP. Mestre e Doutor pela Universidade Mackenzie. Professor Titular do Programa de Pós-Graduação em Educação, Arte e História da Cultura e da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Mackenzie/SP. professor Adjunto do Instituto de Artes da Universidade Estadual Paulista/SP.

Outras referências sobre o Jovens profissionais

ObaOba
Design on the rocks
Arq Brasil
Radar
Agenda Decor
Blog Vinicius Moraes
Blog Guilherme Bissoli
Blog Luiza Altman

Lei Rouanet

2009-06-04T19:30:00.000-07:00

Essa semana tive um curso esclarecedor sobre a Lei Rouanet, com a Marcela Purini Belem, na UFSCar: "Introdução às leis de incentivo e política cultural".

Mais uma coisa para minha lista de "estava por fora, totalmente desatualizada"... Não gosto nada dessa lista. E a verdade é que devo ter sido abduzida nesses últimos anos. O que estava acontecendo comigo que nada sabia desses aspectos da arte e da cultura? Já digo, não me pareceu nada fácil fazer um projeto, mas positivamente, me pareceu possível!! E fiquei verdadeiramente empolgada. É fato que ainda existem muitos artigos para me inteirar do processo, mas já me sinto integrada no panorâma cultural do País. É incrivel, mas temos editais que fomentam até a formação em países estrangeiros.

O site do Minc é muito complexo, mas é um site importante para quem quer se envolver de alguma forma em projetos culturais. Sinto muita pena em estar acessando esses conteúdos somente agora. Mas na verdade, poucas pessoas falam sobre esses incentivos. Falta conhecimento, falta divulgação e esclarecimento. Política cultural, incentivo a arte, arte popular... Nesses 2 últimos anos tive acesso a informações que nunca antes tinha visto curcular entre as pessoas, nas faculdades, nos meus locais de trabalho. Enquanto eu estudava a teoria, as oportunidades se desenvolviam, outras pessoas se envolviam, e eu estava à margem desse acontecimento social, assim como outras milhões de pessoas. Eles dizem que a Lei visa democratizar o acesso à cultura, mas para isso é preciso torna-la conhecida. É preciso que as escolas, as faculdades, orientem, discutam as políticas culturais, porque isso está silenciado entre as pessoas que estão se beneficiando desses incentivos. Estamos estudando as teorias, mas e as atualidades?? As escolas estão dormindo? Nos ensinam Europa, mas não arte contemporânea Norte Americana. Estudamos os modernistar brasileiros, mas não nossa arte popular, nossos artistas contemporâneos, ceramistas, escultores, arte indígena. Não tem alguma coisa muito errada nesse panorâma?

Tomei a pilula vermelha e vou atrás do Coelho.

Modigliani

2009-05-26T20:25:00.000-07:00

Hoje me lembrei de Modigliani, de seus olhos. Percebi que às vezes não queremos deixar transparecer as emoções e basta uma impressão, uma face vazia, assim como os olhos de Modigliani. Na minha expressão, eu não gosto de revelar as emoções. Faço questão que elas fiquem ocultas, porque não podem ser expressas por um sorriso e tampouco pela tristeza. Talvez no meu ideal imaginário, deveria haver um pouco da dureza da minha alma.

Esse curso de hoje, vale a pena ser comentado, porque está sendo transformador em vários sentidos. É com a professora Sumaya Mattar da CAP-USP/ECA, e aborda questões do ensino da arte na escola pública. Como, por exemplo, o fato de usarmos sempre as mesmas referências para história da arte, deixando de lado a arte contemporânea, a arte popular brasileira, a arte indígena, africana, oriental e por aí vai. Numa das atividades ela propos o fazer artístico a partir das nossas memórias. Foi uma das vivências mais intensas e emocionantes que já participei. E no meu fazer artístico fiz um retrato cujo rosto carregava essa emoção que não se permite interpretar. Para mim, foram como os olhos de Modigliani.

Mary Cassatt

2009-05-22T05:56:00.001-07:00

"Mary Cassatt was not the typical woman of her time. She came from a wealthy family in Pennsylvania. She was well-educated and studied art in Philadelphia. But after a few years she took a radical turn. She left to study art at the major museums in Europe. As her style matured, she made her way to Paris."

Fig.1 Portrait of Mary Cassatt in Grasse, 1914; Fig. 2 The Cup of Tea, 1879; Fig. 3 In the box, 1879; Fig. 4 Caresse Maternelle, 1902.

Não é incrível, que com o intenso preconceito sofrido pelas mulheres no final do século XIX, Mary Cassatt tenha conseguido desenvolver e mostrar seu talento juntamente com grandes mestres impressionistas? Ao custo de uma vida inteira dedicada a arte, fez belíssimos trabalhos que nem ao menos são comentados nos livros de arte.

Nascida em 22 de maio de 1844, foi uma pintora impressionista. Apesar de ser americana, passou a maior parte da sua vida adulta na França. Costumava retratar a vida social e privada das mulheres da época, em especial os laços de intimidade entre as mães e seus filhos.

Cassatt teve muitas dificuldades na formação de sua carreira artística. Apesar de vir de uma família rica, seu pai não aprovava sua escolha como artista e não patrocinava seus suprimentos de pintura. Ela passou 5 anos na Europa, onde teve suas primeiras lições de desenho e música. Em 1855 viu a exposição Paris World´s Fair, onde teve contato com os artistas Ingres, Delacroix, Corot, Coubert e também Degas e Pissaro. Por ser mulher, enfrentou muitos preconceitos. A tradicional École de Beaux-Arts não aceitava mulheres, o que levou Cassatt a procurar professores particulares. Por 10 anos ela submeteu seus trabalhos para o Salão, sendo constantemente rejeitada.

Em 1871 ela retorna à Europa e em 1872 tem seu primeiro trabalho aceito no Salão. Esse fato torna-se recorrente até 1877, quando seus 2 trabalhos são rejeitados e ela recebe um convite de Degas para participar de uma exposição impressionista. Sentindo-se confortavel entre eles, ela une-se a causa impressionista com estusiasmo, esperando ter sucesso entre as sofisticadas mulheres parisienses que preferiam os trabalhos de vanguarda.

Degas teve uma influência importante em seus trabalhos. Eles trabalhavam lado a lado aprimorando suas téncnicas, principalmente no uso de Pastel e Água-forte.

Fonte: Wikipedia

Greenpeace Design Awards 2009

2009-05-19T05:40:00.000-07:00

Inscrições acontecem até 15 de junho

Estão abertas até o dia 15 de junho as inscrições para o concurso "Greenpeace Design Awards 2009", estabelecido pela organização de ativismo ambiental em reconhecimento ao papel que a comunicação visual tem em suas ações. O objetivo é motivar a comunidade criativa mundial a desenvolver trabalhos de impacto visual que estimulem o público a apoiar o Greenpeace e agir em questões ambientalmente críticas.

Os candidatos devem desenvolver um cartaz com o tema "Be part of the action" ("Seja parte da ação"), que não precisa estar expresso em palavras. Cada interessado pode inscrever até três propostas e os projetos devem contemplar a possibilidade de adaptação para uso em banners, camisetas, flyers e outros.

Fonte: Esdi

Lista Tipografia

2009-05-14T04:52:00.000-07:00

• Typography - twentieth century timeline

In this topic, you will explore the development of typography throughout twentieth-century Europe and America. It has been driven by commercial, political, and technological pressures, as well as aesthetic and creative experimentation.

• Boken Type
Efeitos tipográficos

Arte Grostesca

2009-05-10T20:03:00.000-07:00

Leonardo da Vinci

“É um derivado do termo latino grotto que significa gruta ou pequena caverna. A expressão grotesco surgiu no século XIV quando foram descobertos soterrados em Roma, por acaso, corredores e salões do antigo complexo palacial Domus Aurea. Nesses espaços subterrâneos reabertos depois de quase mil e quinhentos anos foram descobertas imagens, figuras, estátuas compostas de pessoas ou deidades metade gente e metade animal ou metade figura mítica. (...) Tardiamente, a palavra grotesco adquiriu no idioma italiano e por difusão também no idioma português, o sentido de bizarro ou ridículo, mas sem relação com as pinturas originais.”

A Domus Aurea (em latim, Casa Dourada) foi um grande palácio romano, desenhado para tirar partido das paisagens artificiallmente criadas no coração da Roma Antiga pelo Imperador Romano Nero, depois do Grande Incêndio que devastou Roma em 64 d.C. ter varrido as habitações aristocráticas das encostas do Monte Esquilino.

A arte grostesca é uma das formas inseridas na arte fantástica, embora esse não seja um gênero muito bem definido. "(...) celebra a fantasia, a imaginação, o mundo dos sonhos, o grotesco, visões e outros mundanismos. Com o simbolismo ela divide a escolha de temas tais como a mitologia, o ocultismo e o misticismo e não deve ser confundida com a arte de fantasia, que é o domínio de ilustradores de ficção científica e fantasia."

Goya

Fonte: wikipedia

Arte Abstrata

2009-05-09T12:04:00.000-07:00

A arte abstrata ou abstracionismo é geralmente entendido como uma forma de arte (especialmente nas artes visuais) que não representa objetos próprios da nossa realidade concreta exterior. Ao invés disso, usa as relações formais entre cores, linhas e superfícies para compor a realidade da obra, de uma maneira "não representacional". Surge a partir das experiências das vanguardas européias, que recusam a herança renascentista das academias de arte. A expressão também pode ser usada para se referir especificamente à arte produzida no início do século XX por determinados movimentos e escolas que genericamente encaixam-se na arte moderna.

O abstraccionismo divide-se em duas tendências:
1. abstraccionismo lírico ou abstraccionismo expressivo: Wassily Kandinsky, Pollock.

Inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição para construir uma arte imaginária ligada a uma "necessidade interior"; tendo sido influenciado pelo expressionismo, mais propriamente no Der Blaue Reiter. Aparece como reacção às grandes revoluções do século, nomeadamete a I Guerra Mundial.

O jogo de formas orgânicas e as cores vibrantes eram bem patentes; mas também a linha de contorno sobressaía nesta arte nitidamente não figurativa.

2. Abstraccionismo geométrico: foca-se na racionalização que depende da análise intelectual e científica. Foi influenciado pelo cubismo e pelo futurismo. O abstraccionismo geométrico divide-se em duas correntes:

a. Suprematismo (Rússia): Kazimir Malevich
Movimento artístico russo, centrado em formas geométricas básicas - particularmente o quadrado e o círculo - e tido como a primeira escola sistemática de pintura abstrata do movimento moderno.

"a supremacia do puro sentimento"

b. Neoplasticismo (Holanda): Mondrian, Theo van Doesburg
Uso de cores primárias (vermelho, amarelo, azul) em seu estado máximo de saturação (artificial), assim como o branco e o preto (inexistentes na Natureza, o primeiro sendo presença total e o segundo ausência total de luz).

Claramente um movimento de arte de pesquisa, os experimentos realizados pelos artistas neoplásticos foram essenciais para a arquitetura moderna, assim como para a formulação do que hoje se conhece por design. Apesar de afastados da Bauhaus devido a questões pontuais, ambos os movimentos fazem parte de um mesmo universo cultural.

Fonte: wikipedia

op art

2009-05-09T11:33:00.000-07:00

Victor Vasarely, representante da op art.

A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.

Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.

Fonte: wikipedia

Arte Psicodélica

2009-05-09T07:14:00.001-07:00

Fonte: wikipedia

Arte Psicodélica é uma arte inspirada pelas experiências psicodélicas induzidas por drogas como LSD, mescalina e psilocibina. O termo "psicodélico" significa "manisfestação da mente". Por essa definição todos os esforços artísticos de retratar o interior da psique humana pode ser considerado "psicodélico". No entanto, o movimento "Arte Psicodélica" remete sobretudo para movimento de contracultura dos anos 1960. A arte visual psicodélica também era uma forma de expressar o movimento musical de rock psicodélico. Cartazes de shows, capa de discos, murais, HQ´s, jornais underground e outras peças gráficas expressas não dsomente pelo padrão caleidoscópico das alucinações de LSD, mas também pelo revolucionário sentimento político, social e espiritual inspirados pelos insights derivados desses psicodélicos estados de consciência.

Características da Arte Psicodélica:
• Temas fantásticos, metafísicos e surrealistas
• Padrões caleidoscópicos, fractais e "paisley" (motivos vegetais originais da India e Pérsia)
• Alto e/ou brilhante contraste de cor
• Profundamente detalhista e estizado, também chamado de estilo Horror Vacui (Na arte visual, horror vacui (literalmente: medo de espaços vazios, também conhecido como cenophobia) é o preenchimento de toda a superfície de um trabalho artístico com detalhe).
• Colagem e sobreposição de objetos ou temas.
• Fosfeno (sensação de ver manchas luminosas, causada pela estimulação mecânica, elétrica ou magnética da retina ou do cortex visual. Um exemplo de fosfeno são os padrões luminosos que aparecem quando a pálpebra é esfregada com bastante pressão. Padrão colorido difuso, uma cintilante e sempre em mutação e deformação da luz comocasionais manchas escuras. É também uma alternativa de ortografia Phosphine, PH3, um gás tóxico e explosivo.); espirais, círculos concêntricos, fenomeno de difração e entópico (estimulação visual causada diretamente nos olhos).
• Repetição.
• Fontes escritas a mão com efeitos de transposição de espaços postivos e negativos.

CIDI 2009 - Congresso Internacional de Design da Informação

2009-05-07T14:18:00.000-07:00

Não podia ser mais perto? Eu até gostaria de ir, mas... Rio de janeiro? Vai ser difícil...

Lacad - Laboratório de Cerâmica Artística a Distância

2009-05-07T07:17:00.001-07:00

"Já de início a matéria (argila) nos impõe a iminência do tempo, o tempo de sua maturação, de seu preparo, da espera pelo melhor momento de ocar, levantar a parede, de costurar, de secagem, de queima, etc. e cada um destes tempos têm seu momento específico. Para respeitá-lo e melhor aproveitá-lo temos que vivê-lo no momento exato, nem antes nem depois. É o presente de cada etapa que devemos aproveitar. Em um mundo onde os acontecimentos passam tão rápido, onde temos pouco tempo para vivermos nossa própria vida, a cerâmica nos faz parar e perceber este presente que seguidamente perdemos entre a ansiedade do futuro e o arrependimento do passado." Rodrigo Núñez

Revista Hangar

2009-05-07T07:13:00.000-07:00

Revista Peruana de Design

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Minimalismo e Dan Flavin

2009-05-03T21:07:00.000-07:00

Tive uma surpresa agradável ao procurar minimalismo no wikipedia. Para mim, o termo estava associado ao Japão e quando vi peças tão contemporâneas fiquei maravilhada. As peças e instalações criadas fornecem um material gráfico que pode ser trabalhado de muitas formas. Gostei muito de Dan Flavin:

Sol LeWitt, Frank Stella, Donald Judd também fizeram parte do movimento minimalista. Sendo, inclusive, os precursores. Dan Flavin veio posteriormente. Esses são alguns trabalhos deles:

Segundo o artigo, o movimento veio após o expressionismo abstrato americano, cujo um dos principais representantes foi Pollock, e que teve influências do construtivismo russo e do escultor Constantin Brâncuşi, do movimento modernista.

A paleta de cores dos minimalistas me impressionou muito. Apesar de serem cores simples, eram bem intensas. Já Brâncuşi utiliza as cores e as formas que eu julgava minimalistas. Gostei de aprender sobre esse movimento contemporaneo que afasta o olhar da arte européia e o desloca para uma nova cultura. Fiquei curiosa para conhecer a história e os movimentos artísticos americanos do século XX.

Vik Muniz no Masp, 9º Bienal de Artes Gráficas e MAM

2009-05-02T01:11:00.000-07:00

Fui visitar a exposição do "Vik Muniz" no Masp essa semana. Visitei também a exposição "Design Brasileiro Hoje: Fronteiras" no MAM e a "9º Bienal de Design Gráfico" da ADG. Infelizmente, a viagem acabou me dando um certo prejuizo financeiro e emocional, mas também uma nova possibilidade de compreensão da minha forma de expressão e da aplicação da arte visual dentro da minha vida.

Fazendo um breve parágrafo sobre a Bienal, é necessário dizer o quanto fiquei decepcionada com a exposição. Um lugar vazio, sem um único guia, uma disposição pobre, que não valorizava em nada trabalho algum, uma seleção com trabalhos que já circulavam na mídia, com especial destaque para a revista Capricho e uma embalagem de Ovo de páscoa da Garoto, ou Nestlé, nem lembro. Parece que a seleção das peças é puramente comercial, pois as empresas pagam para ter as peças expostas. Todo o marketing em cima do evento acaba sendo um grande catálogo de agências de design. Nunca o design me pareceu tão sem graça. Ao meu ver, uma exposição deveria mostrar um pouco de tudo, trabalhos consagrados, mas também vanguarda, inovação, novas técnicas, tendências, e por favor, com uma exposição mais interessante. Uma placa colada ao lado da outra é muito chato. Sem contar que os debates do programa foram cancelados e ninguém foi avisado. Fato que eu entendo como evidência do engodo da exposição, que de tão conceituada só tinham 5 pessoas para assistir. Infelizmente não posso mostrar as fotos pois roubaram meu celular.

A exposição do MAM já estava bem mais interessante, talvez porque começasse com uma estrutura física mais planejada que placas coladas na parede. Os trabalhos que estavam lá também ultrapassavam o lugar comum. Tinha até uma técnica em cerâmica para criar, imagine, design gráfico! Embora a exposição fosse bem menor,tinha muito mais apelo visual e - pasmem - tinha guia e até um grupo de jovens em visitação - que diferença!

Mas o ponto alta da infernal viagem a São Paulo, foi a exposição do Vik Muniz. A estrutura da exposição por si já é linda. As fotografias são enormes quadros. Nunca vi numa exposição, fotos tão gigantes. Outra coisa muito positiva foi poder ver os primeiros trabalhos dele e todo seu processo de evolução! Porque esse trabalho de autodescoberta artística é maravilhoso e vamos construindo nossa identidade aos poucos e lentamente, até chegar num ponto onde as coisas fazem verdadeiramente sentido e ganham o nosso diferencial. A variedade de técnicas me permitiu valorizar as ferramentas que tenho ao meu dispor e outras possibilidades de criação e produção artística. Emocionalmente falando, fiquei maravilhada com o quadro de diamantes. Eles são tão minusculos na joalheria e ali, ampliados, enormes, e em grande quantidade é quase de tirar o folego. Fiquei me imaginando tão perto - e tão longe - de tão consideravel fortuna... Gostei muito das descrições dos quadros e das explicações sobre suas escolhas temáticas e o porquê do material escolhido. Isso acaba mostrando como ele deve ser um cara simpático e acessível; veja pela série Garbage e Garotos de Acúcar. Álias, a expo começa a ficar interessante em Garotos de Acúcar. A série que me tomou mais tempo foi a de Pigmentos. Será que era por causa da influência impressionista? Como eu adoraria ver um de Van Gogh ou Cezanne. Recortes de papel também gostei. Mostra as infinitas possibilidades que podemos ter ao usar ferramentas digitais para conseguir efeitos similares, ou mostra que posso tirar várias fotos, trabalha-la no computador e imprimi-las. Essa é a técnica que sei usar, manipulação digital, e eu posso usar texturas, nem necessariamente trabalhar sobre elas.

A expo do Masp acabou alterando completamente minha percepção sobre as outras 2 exposições. Se minha ordem de visitação fosse diferente talvez meu censo crítico tambem o seria. E a capacidade de sensibilização da arte minou a característica puramente comercial e sistemática do design gráfico da Bienal. Faltou experimentação, inovação tecnológica e criativa. Ou talvez isso revele mais sobre eu mesma, de uma busca inconsciente por um design arte, romantizado pela Bauhaus, pela Art Nouveau com os cartazes de Lautrec, Secession e tantos outros. Esse sempre foi o diferencial entre o trabalho totalmente funcional que faço e aquele que eu realmente gostaria de conseguir fazer. Algo dentro de mim quer ver uma anarquia visual insana e fora dos padrões estéticos comerciais. Nesse sentido, esse estudo de arte cibernética tem me mostrado umas coisas bem interessantes.

Além da forte identificação artística, a viagem me imprimiu certa consciência social como experiência de vida e que poderia ser expressa através das minha ferramentas de trabalho. Desde que me conheço por gente que busco na escrita a forma mais eloquente de expressão, sendo meu sonho existencial conseguir me expressar através dela. Mas ao me lembrar do rosto daquele assaltante, e não consigo me esquecer do seu olhar e das suas mãos se socando, penso no poder que isso teria como imagem e que minha expressão pode ser visual e não necessariamente escrita. Como dizem os otimistas: há que se tirar um saldo positivo de tudo, não é mesmo?

Labuat - Lindo!

2009-04-26T06:57:00.000-07:00

http://soytuaire.labuat.com/
O Luciano me indicou esse site e achei lindo! Queria muito um workshop de como fazer um trabalho assim. Não só a proposta é linda, como perfeitamente executada. Várias vezes já quis usar uma textura de aquarela como esse brush e nunca consegui. Realmente gostaria de saber como conseguiram... Parabéns!

Experiências fotográficas

2009-04-21T14:40:00.000-07:00

Idéia Fixa: Participe!

2009-04-20T19:37:00.000-07:00

Seleção de trabalhos para a revista virtual da Idéia fixa:
http://www.ideafixa.com/participe/

>> TEMA DA PRÓXIMA EDIÇÃO : TIPOGRAFIA

>> Data limite de envio: 30 de abril de 2009

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O que você pode dizer visualmente sobre o tema? Peças que não condizem com o tema não serão aceitas para publicação. Todas as peças passam por aprovação antes da publicação.

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Envie suas peças sobre o tema. Não é necessário que seu trabalho seja inédito.
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- nome do arquivo: seu_nome_numero_sequencia.jpg (e outros formatos)
- as séries têm que ser enumeradas na sua ordem de apresentação
- máximo de 12 imagens
- tamanho das imagens paisagem: 1700×1140px
- tamanho das imagens retrato: 850×1140px - resolução mínima: 72dpi

Apresentação

2009-04-16T07:10:00.000-07:00

Minha lista de favoritos chegou ao meu limite de complexidade: já não era capaz de encontrar meus links de forma rápida e ordenada. Meu espaço no orkut, muito limitado e comprometido, não permitia uma catalogação de todos os termos, nomes e conceitos que estava querendo organizar. Então decidi centralizar meus pontos de estudo e referências.

Espero manter meus pensamentos e leituras sobre o tema, sem que fiquem espalhados em cadernos e papéis soltos, perdidos para todo o sempre. Também espero que outras pessoas possam se beneficiar dessa tentativa de organizar links e informação sobre design gráfico e arte, ainda que de uma forma superficial.

No mais, posso falar que encontrei no design uma das minhas paixões, e faço do seu estudo um aprimoramento constante. Posso também dizer que amo a arte, especialmente as visuais, e que o estudo da sua história, das suas origens é um hobby e um grande prazer.

Hà quem interessar, seja bem-vindo!